如何欣賞一幅畫？

一看構圖，二看色彩，三看光影，四看筆觸，

雖然粗暴了一些，不過大致如此。

1：構圖 

當我們看到一幅畫作時，第一眼看到的首先是大致結構，構圖是對一幅畫作整體的把控力，也決定了畫作的廣度和深度。

對觀眾而言構圖的美感經驗也是最直接的，對藝術作品的形式美的感受也是最為干脆的，在藝術畫作形式美的所有因素里，結構形態的形式美感是重要的基礎。

合理的構圖形式能通過視覺作用的強弱對比，對觀眾的第一眼印象產生支配作用，明確畫面的主要部位即畫面中心，引導視覺的順序，使觀眾能在一定的思維上基本按照作者構思的線索去瀏覽畫面。這就是構圖的特殊功能。

比如：

三角構圖

詹建俊《狼牙山五壯士》

三角形構圖，穩定感十足，《狼牙山五壯士》的仰視效果則增強了壯士寧死也不屈的剛毅之感和形成永恒的紀念碑式的穩定感，是不是趕腳就跟葫蘆娃的葫蘆山似的極富力量感。

達·芬奇《蒙娜麗莎》

三角構圖的特點就是在畫面中所表達的主體放在三角形中或影像本身形成三角形的態勢，此構圖是視覺感應方式，一般用于不同景別如近景人物、特寫等，多用于畫中主題明確的作品，當然也有繁復多雜的三角構圖，比如：

籍里柯《梅杜薩之筏》

我們可以看到除了三角線以外，《梅杜薩之筏》還運用了各種曲線和傾斜線，結構明顯比上兩幅要繁復多雜。

這是因為它的主題與內容比較復雜，人物的情緒緊張動蕩，變化又豐富多樣的緣故，從而這決定了作品畫面的分割必須是各種構圖形式的綜合運用。

使畫里的人群和筏上的船帆形成了兩個明確的傾斜三角形，準確有力地表現了落難者在求生欲望的掙扎中相對暫時的穩定感，同時又時刻面臨死亡的威脅，存在嚴重的覆滅危機感。重要的是作者運用這兩個傾斜的三角形結構表現了作品生與死的命運問題的基調。

與此同時整幅畫采用了金字塔式的構圖方式，這些因素決定了這件作品基本的構圖形式。

平行構圖

拉斐爾《雅典學院》

達·芬奇《最后的晚餐》

我們可以看到，這兩幅整體都是運用平行輻射線式的構圖，《最后的晚餐》里耶酥處在畫面中心位置。

正是因為平行線的軸心在視覺上自然集中的效果，因此畫面中所有的人都緊緊地聯系到了耶酥的身上。整排的人和前面長桌子形成平行的水平線，使之在構圖中形成向兩邊展開的視覺感覺。

這種視覺的引導使所有弟子的不同面貌、不同的心情、性格逐一呈現在觀眾面前，為充分刻畫出每一個形象以及他們之間的聯系提供了足夠的空間。

十字構圖

霍貝瑪《樹間村道》

畫面主要運用了垂直線和水平線的分割，對空間的立體分割上強調了道路向遠處延伸的運動透視感感。

因為水平線壓低的緣故，增強了兩條垂直線向上的生長趨勢，打破了呆滯的畫面格局，單純而簡潔大氣。

2：色彩

如果是構圖是大綱的話，那么色彩就是一幅畫作的語言，也是繪畫諸要素中最具感情特征，是繪畫者表達自己與觀賞者交流的一種獨特方式。

我們經常看到，有的繪畫作品，雖然構圖一般，但由于色彩處理得恰當，還是能吸引觀眾。與此相反，有的作品，如果 在構圖、素描、透視、解剖等方面都具有一定水平，但在色彩處理和運用上存在問題，這幅作品就遜色了。

梵高《羅納河上的星夜》

梵高用像太陽一樣炙熱的黃色，還有那憂郁哀傷而又近似瘋狂的藍色。這些色彩之間對比單純、強烈，像具有鮮活熱情的生命體，讓我們不自覺地為畫面而感動，共同融入到畫家豐富的主觀感情中去。

莫奈《日出印象》

畫中多種色彩非常隨意、零亂就賦予了水面無限的光輝，并非準確地描畫使那些小船依稀可見。散發出的光線、色彩、動感和充沛的活力，取代了以往繪畫作品中死版的配色。

吳冠中《中國城》

一作中，吳冠中用簡單的顏色組合粗獷的表述出城中的燈火樓房，飄逸爽快簡潔有力，色塊和留白毫不違和，使畫面充滿動感。

3：光影

光影實際上是指畫中物體受光、背光和反光部分的明暗度變化以及對這種變化的表現方法。我們用眼睛感知物體是靠光的反射，在繪畫上也大致如此，在光線照射下出現三種明暗狀態，稱三大面，即：亮面、中間面、暗面。

倫勃朗《浴女》

畫中色調柔和趨於暗色。在從高處投來的神秘光束映照下，人物彷佛從陰影中浮現出來，走向觀賞者。貼身衣裳的白色和肌膚的明亮色調，突出了人物的形體，層次變化細微而豐富。

她身后的衣服金黃與紅色相間，愈發襯托出她身上的白衣以及撩起衣擺的憨態樸實無華。一個正待洗浴的女子正寬衣下水，神情微妙，初試水溫，顯出欣喜的畫面就這么出現了。

維米爾《窗前讀信的少女》

格局雖小但卻擁有豐富的表現力，巧妙平衡的構圖讓其顯得更為優美而精準，其中光線的唯美應用創造了一種柔和、彌漫的氛圍。維米爾對色彩的卓越把握體現的淋漓盡致，畫面中運用的各種藍色色調一定會讓觀眾流連忘返。

光影是自然中出去色彩崴最直觀的視覺要素，對畫面的具體感真實感也起到了最為重要的作用。

光影效果的發型與運用大大的豐富了人們的視覺神經，也直接使得繪畫技術進一步走向現實，走向客觀，走向更深層，更內在，更微妙。

4：筆觸

繪畫中的筆觸指的是畫家在繪畫過程中筆、顏料、畫布三者之間相互作用后留在畫面上的痕跡。它在畫中起著相當重要的作用，是繪畫藝術區別于攝影藝術的重要標志。

筆觸作為繪畫藝術中的基本元素，有其自身的藝術形式美，是繪畫形式美的一部分，也是藝術語言的重要組成部分。

梵高《自畫像》

我們在畫中看見，之前的夜景是以短促、清晰的水平線筆觸來描繪的，和這里自畫像里呈主導趨勢的曲線筆觸產生強烈對比；

畫中用了一些顏色變化特別微妙的色彩用油畫刀刮制而成，留下了許多豐富的筆觸。

這些筆觸因為有色彩，形狀，厚薄，肌理的變化，使得這個人物有著不同的層次，這些層次變化產生了一個朦朧充實的形象。整幅畫面刻畫就生動起來。

蒙德里安《紅、黃、藍的構成》

咋看之下除了色彩和布局巧奪天工之外就沒有其他了是吧，下面我們細看：

如果蹲下身，逆光往上看這幅畫——在展館里是個很狡猾的辦法，因為這樣會暴露出畫作的裂縫以及表面——從畫布的紋理可以看出蒙氏畫作中黑色長方形用的顏料較薄。

而黃色色塊使用的顏料就厚重多了。再湊近點看黃色區域能發現這個繪畫表面相當豐郁，每個表面和線條都有它的紋理：條紋被刻出了脊線；一些表面，比如藍色區域，有油漆工人試圖避免的徒手畫出來回刷筆的紋理痕跡。

放在一起這幅畫作有了豐富的表面紋理，藝術史學家稱之為制作法。

無論是什么類型的畫作，一幅畫就是由筆觸的軌跡構成的，筆觸是一幅畫的根本，實質的東西，也是分析一幅及研究作者當時情感取向的重要依據。

通過油畫材料和工具在畫面上創造的豐富肌理痕跡，詮釋自己的藝術觀念、審美觀念及價值取向。我們也可以就此打開另一條美的道路。

最后，一般我們隊畫作欣賞，首先是感知、想象、情感體驗等感性認識方面。

然后運用視覺感知以及其他器官的綜合作用、生活經驗和文化知識對美術作品進行感受、體驗、聯想、分析和判斷，獲得審美享受，并理解美術作品與美術現象。即從感性認識上升到理性的一種比較深刻的認識。